Basta con solo la primer escucha de “5 finales para un mismo cuento “, para darnos cuenta y sentir como todo el folk rock y el ADN musical de Flopa Lestani se corporizan de principio a fin en las canciones que integran esta placa. Justamente es “La chispa” (primer tema del álbum) quien nos hace que sea imposible, mientras suena, el resistirnos a que nos invada una sensibilidad de forma perdedoramente esperanzada…”Nos miramos sin hablar…Sabemos que va a pasar y cuando te vas, nada te llevas.- Todo lo que queda, es lo que has dado…”
Segundo tema “No queda más”, letra y música responsables por igual del pulso acelerado de esta canción, una predica urgente, como impulsarse desde el suelo para sanar y dejar atrás lo que tarde o temprano nos vuelve a alcanzar…
“Mi propia marca”, no hace más que exponer y delinear quien es Flopa como compositora, la dueña de una zona atemporal, un refugio de canciones despojadas de la necesidad de ajustarse a la “modernidad” circulante, un deposito de sensaciones y sentimientos creado para abrirnos el alma y dejarnos corazón en mano , estrofas responsables de guiarnos a un estado muy cercano a aquel que sucede, cuando permitimos dejar que el amor nos embista.-
“Nada entre manos”, es un deliberado engaño entre lo que la música nos sugiere y el lugar donde nos sitúa la letra, la angustia escondida en un espejismo auto impuesto, la incertidumbre como protagonista y la seguridad de saber que nada es seguro.-
“La sombra de la duda” marca el final de este trabajo, un cierre nada previsible, una sonoridad que lo invade todo , complotándose con ese tono mesiánicamente revelador que le imprime Flopa a la canción, …, una proclama que exorciza la inmediatez, ese vértigo establecido de no prestar atención al hoy, solo por estar atento a lo que vamos a ignorar en el futuro.- Una sutil postura punk in crescendo, sustentada en la misma contundencia que imponen a lo largo de este trabajo, los talentosos músicos que acompañan a la cantante.- Ellos son Lulo Esain (Batería) y Fede Ghazarossian,(Bajo), ambos de ” Acorazado Potemkin”, que junto a “Manza” Esain, (Valle de Muñecas”) en guitarras y producción artística del EP, se encargan de amalgamar y encauzar todo este latir… Creo que “La sombra,,,” dista mucho de estar propuesta como cierre de algo, mas bien como una llave a lo que esta por venir … como esa botella de algo que ya disfrutamos y a la que le seguimos pidiendo mas, solo por lo que nos hizo sentir.-
“5 finales… ”Se disfruta profundamente entero, como el talento de quien lo canta, ese que deseamos que sea, para nosotros, un cuento sin final…
TRES FLECHAS, MISMO ARCO. (Tribus Bar- 23/02/2017)
Presentación de Faûna (Sta. Fe), La Carroña (Pna.) y Sarrasine (Sta. Fe)
En una noche en que el calor de la ciudad, tenía todo a favor para quedarse con el protagónico, se presentaban Faûna, La Carroña y Sarrasine, tres bandas que no se la iban hacer fácil.-
Los Faûna , banda instrumental, abren la fecha y cortan el fuego nocturno, para encender el escenario de la mano de “Raiz”, tema de una intro épica – hipnótica, sustentada desde la bata y el set de percusión, como para la música se corporice y todo tenga sentido.-
Llega “Dos palabras” y en su andar va emanando colores desde una sonoridad muy decidida, mezcla rara de potencia y calidez.-
Se suceden” Mike”, “Ipaneim” y Ritual” y hasta ese momento nadie ha emitido palabra alguna y la noche tampoco parece necesitarlo, la música comprime sensaciones donde el vocablo no encuentra lugar…
Cierran su presentación de la mano de “Time” y “Evolución”, entendiendo que Fauna se define sin palabra alguna, sentir a pura escucha.-
Sería muy egoísta de mi parte explicar lo que se tiene que escuchar, celebremos y apoyemos la existencia de bandas así.-
Acto seguido sube La Carroña, para que el calor sea el menor de los estímulos, enmarcado en una delicada oscuridad donde todo se puede disparar con “Silencio Hospital”, su primer tema.-
Vamos al dos sin que nada calme, responsabilidad de “La sequia”, espiral en trance para que este escriba viaje sin escalas al The Cure de “Killing an arab”
En “La Carroña”, “La Droga”, “Cavernario” y “Percepción”, la voz de Lautaro Moran linkea a influencias notables como el caos intencionado de los platenses Peligrosos Gorriones, lo que podríamos definir como un desmadre perfectamente controlado, una delicada suciedad sonora.-
Con “Joselito” y “La Casa que se quema” confirman el despojo de su música, sin techo a la vista y con la convicción de que lo que les sirve a ellos, te sirve a vos…corta.-
La despedida se presenta con “Gente real” y “La Terminal”, para una banda que empuja desde una base sin fisuras, (Andres Piedrabuena en Bajo y el”Colo” Miretti en Batería) al servicio de la canción para ser desmenuzada en oscura entonación a cargo del cantante, música atemporal, sanadora de oídos en falsa escuadra, tan cerca y tan lejos de lo que hoy se denomina música.-
El cierre de esta gran fecha, a cargo de Sarrasine, sonido noise pop, postpunk, para una de las propuestas más talentosas y refrescante de la escena local.-
Comienzo con “Laissez Moi” y uno empieza a entender que el universo de Lautaro Albarenque (guitarra y voz) y el resto del grupo, está construido a fuerza de climáticas paredes sonoras a las que en vivo “ensucian” un poco a fuerza de ruido y distorsión para hacer mas sanguínea la propuesta.-
“The Yell”, segundo tema y último aviso de que efectivamente la calma precede a una gran tormenta sonora, que es a lo que nos va a someter la banda hasta el sonar de su ultimo acorde.-
En “Fourteen Verses”, la fémina voz de Leticia Marina (voz y teclados), comanda toda la intención y emoción de la musicalidad de Sarrasine, sensaciones que en vivo alcanzan para descubrir como uno se deja arrastrar por la elegante melancolía de sus canciones y quedar inmerso en ellas.-
Para el cierre del show y cierre de esta “atípica” fecha llegan “Sunshine Never” y “Juniper”, más saturados y distorsionados que la versiones grabadas pero siempre enmarcadas en melodías y arreglos de muy buen gusto que caracterizan al grupo y cuyo sonido haga sospechar que Sarrasine pronto va hacer expulsada de la orbita rockera local para caer en una consideración musical-global mayor aun.-.
Esta fue una fecha atípica decía, porque a pesar de la diversidad de las propuestas de las bandas, el vuelo e intensidad fue el mismo.- Celebrar la conjunción de estímulos y estilos, juntos, pura definición de artista, tres flechas, un mismo arco…la música.-
Cierre de la Bienal de arte Santa Fe 2016 – Parteplaneta y su homenaje al rock santafesino.-
El anecdotario musical santafesino alberga en sí, innumerables momentos y shows que hasta el día de hoy aún se siguen comentando y recordando. Sin dudas este show de Parteplaneta y su homenaje al rock santafesino tendrá un lugar preponderante en él, pero como en todo relato, lo mejor es empezar por el principio…
Llegamos al Patio de la Reforma de la Universidad Nacional Del Litoral, para ver en el cierre de la 12ª edición de la “Bienal de Arte Joven”, el show de Parteplaneta y su “Homenaje al Rock Santafesino”. Mucha gente, y un telón ocultando el escenario; anfitrión, límite y protagonista del principio del fin de una semana con mucha música. Las siluetas de los músicos se dibujaban en él, y los gritos del público auguraban el comienzo; un latido de imágenes proyectadas… hasta que la pulsión no dio más, y la banda estalló en siluetas off, presagiando una gran tormenta de rock.
“El futuro es hoy” fue el comienzo. Toda una declaración de este viaje espacio-canción, por nuestra historia musical… (“Arraso a lo que antecede, conformo a lo que sucede, el futuro es hoy…”*). “Extremo salvaje” y esas formas que suponemos sobre el escenario, no hacen más que aumentar la necesidad de descubrirlos, y enfrentar lo que momentáneamente es sonido y estimulo puro.
“Sin rostro” marca la paradoja en medio de la canción. Cae el telón, y es el momento del encuentro de la banda con su gente.- (“Embriagar nuestra sien, celebrar con la piel, sumergirme, disfrutemos…”*). La belleza de “Arcos” y “Nudos” (joyas del disco), bajan los decibeles y recrean con creces la emoción en vivo que destilan esos temas en la placa.-
Sin respiro, te llevan por delante con “Jinetes de nuevos puentes” y “Desciframe”; bien arriba……para explotar y que todo corte en forma abrupta. Del silencio, a la voz en off del inconfundible Guillermo Pez (periodista referente de nuestro rock) y su enunciado de las bandas santafesinas que fueron, que son y que están creciendo, apoyado por imágenes de éstas en la pantalla; movilizando recuerdos y comentarios, producto de momentos de disfrute generado por las mismas.-
Llega el momento de homenajear a algunos de aquellos que han llevado a ubicar a Santa Fe, muy alto en el mapa musical de nuestro país.
Primera ovación (será igual durante toda la velada) para Gustavo Cortes, cantante de Sig Ragga, y su “De los seres durmientes” (“…Inmortales las ideas, otros se persignan, piensan distinto las cosas que pasan…”) y todo el Patio de la Reforma se inundó de perfumes de sensibles cadencias.
Todo sincronizado y a tiempo para que suba Cristian “Muñe” Cargnello, voz de Butumbaba, (se extraña la presencia de esta banda en los escenarios), para entregarnos “Sin contaminantes”, con los Parteplaneta poniéndose el traje roots reggae rock para la ocasión.-
Un corte visual recopilatorio de imágenes en pantalla, presagiaba lo que seguramente nos iba “a comer la mente…” El tándem Agustín Ferrero/Matt Hungo Deicas (Astro Bonzo), fueron los responsables de un latigazo de rock, proponiendo “Aldea/Blues del resentido”, para que todo aquel que estaba quieto se moviera, y para que ese patio no volviera a ser lo que era.-
La pantalla seguía tirando fotos del pasado para disfrutar este presente, y llegó el turno de Camilo Hormaeche para devolvernos a “Pobre Vaca” sobre las tablas, (otra banda de la que no nos alcanzan sus esporádicas presentaciones). De la mano de “Respeto” (“… como un rayo sin sonido, como un ciego sin paredes, voy…”) agitando la monada a puro histrionismo, y danzas sin sincro por parte del cantante.-
Las imágenes y aplausos seguían desfilando para quienes subían y para quienes bajaban, pero el siguiente invitado es alguien que borró fronteras llevando el rock santafesino por América: Cesar Andino, líder de “Cabezones”, quien a pesar de cómo la vida lo ha atravesado, sigue rockeando y emocionando. De eso se encargó con “Pasajero en extinción”, una invitación a lo profundo de esas estrofas coreadas en soledad por el público, y de ahí a soltar con “Globo”, un estribillo irresistible: el grito vehemente de “ven a mi otra vez…” l, con cabeceos y guitarras grunge para que Cesar no aguante bajar del escenario, y entre en esa marea de afecto que lo devolverá al mismo, para volver a jugar con la canción.-
Para lo que siguió no hubo tiempo para razonar. Soltaron a la bestia Rodrigo “Negro” González, (participe directo de que nuestro rock llegue a este nivel), quien nos entregó “crudas” versiones de “Vida mordida “y “Agua en las bocas secas”. Sana demencia podríamos alegar a estos movimientos compulsivos, que nos obliga, a verlo detonar en combustión sónica junto a “los Parte”. De verlo cantar y golpear el parche del tambor, al punto de terminar quebrando los palillos (literal). De calma 0 a euforia 1000 y vuelta al cero. Beso y medalla Negro, tremendo!!
Para el cierre de este homenaje, lo inesperado de lo esperado. Gustavo Angelini, el “Tavo”, para perder precisamente “La perspectiva” de encontrarnos en esa canción, reducidos a publico/rebaño hipnótico de sus deseos. Puro magnetismo y carisma sobre el escenario.
“Magnifico Alto Verde” en apuro rockeado, desnuda una vez más a este demonio poseso y guardián de una música incorporada en el subconsciente de todos nosotros, que en esta noche recuperamos la posibilidad de corearlas juntos.-
Con “Vendrá” Los Parteplaneta se despiden “en soledad” por así decirlo ya que el Patio de la Reforma colmado no quería que esto termine. Y no creo que luego del saludo final junto a los demás artistas, ellos tengan noción (creo que con el correr de los días tendran la real dimensión de lo acontecido) de lo logrado, lo que muchos soñaron y ellos llevaron a cabo: escuchar ese pasado con un futuro enorme, el de estos músicos que marcaron un camino que no terminaron de desandar.-
Los primeros sonidos que se desprenden de “Serial”, el nuevo trabajo de Peyote Asesino, sirven como un puente, una continuidad natural a esa música que veinte años atrás quedo vibrando en nosotros. –
Porque “Flor de gil”, comienza así, a puro machaque metálico noventoso, ese del salto y grito, puro Peyote en estado natural, conectando lo hecho en el pasado con el reflejo de quienes son hoy. –
La condena y defensa de uno mismo se despliegan en “No te peines”, sonido marcial acompañando el lapidario estribillo “…no te peines más, que la foto es chica y vos no entras…”
Sonido pesado y por momentos rap en doble tempo enmarcan esa sentencia que expulsa “La tumba de los cra”.- “En la B” nos describe a través de analogías futboleras, a ese loser informado teniendo totalmente claro el porqué de su situación.- Sonidos oscuros de viola y teclados, conducen al protagonista al inevitable final. – “…soy un gil de campeonato, voy del plato a la sarten…”
“Es lo que hay “sencillamente transpira Uruguay, síntesis de identidad propia, que resonando en cualquier punto del globo, goza de la descripción infalible de saber q el rap uruguayo suena así…
“Vos no me llamaste”, uno de los cortes del álbum, tiene un comienzo de guitarrasépicas que se corta de forma abrupta, para darle espacio a los dichos de un tipo “pesado”, dueño de una oscura claridad, la que usa para decirte lo que piensa y quiere sin importarle un carajo como lo tomes (“…soy la piedra en tu zapato, vos pisa fuerte, que yo aguanto…”)
“Tierra derretida” … un comienzo/base, envidia de cualquier musicalizador de procesión funeraria. Suena pesado, arrastrando oscuridad hasta el grito primal que los Peyote nos refriegan como estribo y de ahí…al universo. – dejo este espacio para quien quiera adjetivar o explicar las ganas q este tema le da a uno de tirar el bidet por la ventana. –
“Pump Up the parla” o de como dos o más acordes te llevan por un segundo, aextintos programas de videos (Tecnotronic not dead!) hasta que el flow te tira de los pelos al presente, ese de palo y a la bolsa, el urgente, casi tanto como ese doom scream del final, tratando de avisar a más de un desprevenido, que para todos “el futuro llegó hace rato…”. –
Si quedaste “Bailando samba” … “Perdiste” …últimas dos canciones de este gran álbum. – A la primera la podemos catalogar como ese tema conciliador, un testeo deque se podía… mientras que la encargada de cerrar este disco, está construida sobre la base de permitirse una breve mirada al pasado y poder redondearla gracias al presente musical de la banda. –
Potenciay sutileza abrevan en esta placa, entregándonos un sonido más global, donde vamosencontrar mucho hip hop, sello de la banda, pero también guitarras protagonistas, sonidos pop, fraseos de trap y rap, hasta asomos de ritmos tropicales. – En sus letras también vemos que cada uno de sus integrantes a recorrido un largo camino, y vuelca su manera compositiva a la estructura de la banda, escritos que en este trabajo tienen una marcada urbanidad uruguaya que, desde su literalidad y humor, exponen esas oscuras ironías de nuestra realidad de todos los días. –
Al sonido de esta placa lo podemos definir (si se puede), como una visión análoga del pasado, esa que hoy se digitaliza como un cambio sonoro para que nada cambie…
“Serial “sin dudas es la foto donde todos vamos a entrar, esaque al final, te va adespeinar igual…
Podría resumir la reseña de “Mvrgang”, de los uruguayos “AFC” & Los Warriors, diciendo que es uno de los mejores discos del hip hop latino de los últimos años, e irme a brindar por el pronto final del 2018 con alguna bebida espirituosa…… pero no es tan sencillo, como tampoco lo ha sido la construcción de un trabajo tan craneado como este. No faltará quien diga que es un álbum largo (16 temas) para estos tiempos urgentes en los que vivimos, algo que seguramente Hurakán y Don Felipe pasarán por alto, teniendo en cuenta que desde el vamos, el arte de tapa de la placa es un murguero (símbolo tan caro y representativo al sentimiento uruguayo) prendido fuego. Eso confirma que su única preocupación es ser fieles a sí mismos, como lo han sido a lo largo de toda su carrera.
Su flow escupe gillettes en forma de rimas (que describen su cosmovisión urbana), cimentada por relatos sobre estilos de vida onírica de rockstars, la furia marginal de alguien muy cansado de la mierda del sistema, pasando por Usain Bolt hasta tu hermana en pelotas. Tanto arrebato lírico debía sostenerse con bases tan intensas como sus letras, y es ahí donde los Arrajatabla no dudan: echan mano al estilo musical que sea necesario (rock, disco, metal y la lista sigue…) para fundirlo en el suyo, y confirmarnos que es otra razón más por la cual este disco sube bien alta la vara del hip hop latino, transformándose en clásico y referente instantáneo del genero.
“Historia de pescadores y ladrones de la Pampa Argentina”
Dos guitarras españolas desbocadas por rasguidos percusivos, no hacen más que iniciarnos en el viaje hipnótico por estos estos relatos se transforma en canciones impregnadas
de profunda tristeza e indispensable oscuridad.-
Letras que hablan de cuestionamientos existenciales ante
situaciones vividas, suplica y reclamo al amor, resignación y cansancio al vivir
peleándola…y perder, donde cada punteo
de las violas desatan climas que se ajustan a la perfección de las voces de
Sergio Ch, como profeta cansado y de
Gabo Ferro cerrando estrofas como un Bardo de este siglo.-
Voces y guitarras, nada mas, para mostrar que la distorsión del rock esta
dentro de uno…
Esta reseña es atípica ya de su origen, porque comúnmente soy yo el que va al encuentro de la música, pero esta vez ella me encontró a mí.- El responsable del hecho es Oliver Terrazas, músico de la banda SDF Bruxo, quienes lanzaron su EP “MELPDM”, protagonista de esta reseña.-
El primer tema es el que le da nombre a la placa, que del inicio va planteando un juego de interferencia digital y superposición de música –voz , permanente e intermitente, donde la letra flota en un vaivén espectral desde la voz del cantante, ensamblada y sostenida en un beat jazzero hasta el cierre del tema , un mantra de melancólica suplica (“Hoy que me muero, bésame otra vez…”)
Una canción de intensa opresión sonora que encuadra un sentimiento de perfección (caótica), necesitar decir lo que ya no cabe en el cuerpo… (un padecer, de esos que sólo el amor provoca…).-
Con “Espíritus de dedos enchilados con cubeta de plata”, uno de los puntos altos de la placa, el trío, desde el comienzo, nos va envolviendo en un punteo rockero de guitarra, de melodía arrastrada y sustentada por un caos vibrante de fondo, que lo ordena todo, un saturnal sólo frenado por el cantar, responsable de que solo subsista junto a el, una complaciente melodía que nos transporta hasta el abrupto final, el que nos deja con la ansiedad latente de escuchar mas.-
El mid-tempo de “Voy creyendo” y lo que en ella se desarrolla, nos confirma que la romántica oscuridad convive con lo más encriptado del universo SDF Bruxo.- Decodificando su letra (“…sha sha sha , mushasha mushasha…”), interpreta quien escribe, y gozando de un total albedrio… múltiples interpretaciones…, que van desde un contexto de dialéctica arábiga hasta la jerga cálida, todas validas y difusas opciones, montadas en un espiral sonoro, quien nos prepara para ser parte él y entrar a esa disco, la que nos propone el tramo final de la canción.-
“Embrújame” es el tema que cierra la placa, de un inicio asediado por sonidos de vorágine robótica?, que se niegan a abandonarnos aun con el trance melódico, puente para la proclama en formada de susurro-declaración del cantante, invocando situaciones ideales que solo se aprenden del error (“Arrullo sin misterio, consuelo sin reproche.-Silencio es amor…”)
“El futuro llego hace rato”, dijo el poeta, esta es música sin lugar ni domicilio, como Bruxo, con el mundo como lugar y receptáculo de estas canciones, que no esperábamos escuchar…
SDF Bruxo (Sans Domicilie Fixe Bruxo) son: Oliver Terrazas – Gabriel Romero – Omar Urcid
Esta reseña es el resultado de la escucha de un disco, tan simple y tan difícil como eso, sin análisis ni desmenuzamiento de los tecnicismos con los que fue construido, solo traducir en palabras, las sensaciones que produce la música en uno, al ser escuchada.-
Lo que nos vamos a encontrar en Ivonne Van Cleef . 7 es un disco hecho de melodías hipnóticas, climas narcóticos y opresivamente seductores, que responden a un único límite, el de la sensibilidad del artista y la forma como lo plasma en su obra.-
El viaje comienza con “Intro Over Treetops”, melodía al frente, escoltada por una oscura sonoridad que la sostiene hasta el final de la canción.- Armonía y desolación como cimiento y punto de partida sobre el cual se construye todo este trabajo.-
Desde el inicio, los platos de la batería nos martillan sensibles el hilo conductor de “Resembles”, un camino que (la?) artista se encarga de rodear de una misteriosa atmosfera, fruto del trepidar de una guitarra, que sobre el final se hace dueña de la canción.-
“Streaking & fine barring” es la calma o el puente onírico en el medio exacto de esta travesía, una capa sonora de melancólica densidad, que encuentra “claridad” en arreglos finales que remiten a aves en su sonido, protagonistas ya en este tramo de la canción, el cual se ve abruptamente sesgado ante un último latido oscuro de la banda.- Templanza y fulgor stoner, made in Van Cleef.-
Desde el comienzo, la melodía de “Loud calls at dusk” y su hipnotismo increscendo, se nos presenta como una banda de sonido ideal para un peregrinar desesperanzado, en un camino desértico, hacia un lugar que no sabemos si queremos llegar… Trance hecho canción, de una atmosfera intimista.-
Nacida de ecos de una resonancia que se funde y confunde con la canción, “Sandy soils” deja apreciar entre sus capas un sonido épico que se ve pronto corroído por la misma vibración que la origino en su desenlace por una interferencia la cual disminuye y termina sesgada en un final tan abrupto como perturbador en esta última canción del disco .-
Así es el cosmos donde habita la música de Ivonne Van Cleef, cautivante, contrastante, árido y seductor, como el arte de sus discos…como la belleza misma.-
A la espera del lanzamiento del segundo trabajo de la banda , repasamos tema x tema su gran álbum debut.-
“YO” es el primer trabajo de Experimento Negro (proyecto solista de Rodrigo “Negro” González – ex cantante de “La Cruda“), aunque en vivo ya tienen un presente de gran banda. Grabado en forma íntegra por el cantante (voces e instrumentos) y en la producción artística, en conjunto con Fabio Pis Alonso.
El álbum abre con “Intro al Bosque Negro” y aún con toda la oscuridad que propone desde una percusión y teclados flotando en voces trucadas, se hace presente y es hilo conductor de todo el disco, una luminosidad que pocas veces el artista de rock está dispuesto a exhibir.-
Le sigue una de los grandes canciones del disco (ineludible no prestar atención al tono de voz del comienzo) “Uno es lo que hay” donde recuerda que siempre a la calma y el consejo le hace falta una sacudida (-“Psicopateame, dale!!! Algunos aman ofender”-), atropellándonos en un segundo para saber que esto es ROCK!
Temas como “Vengo envuelto (regalado)”, ”Héroe del naufragio”, “Evidentemente” “Piriápolis”, (este último es ideal para la realización de un video en línea de tiempo), es en donde Rodrigo González se abre el pecho, saca su corazón y nos cuenta de que está hecho su universo, el que encierra en este álbum…
“Brilláme” es la declaración-pedido y muestra de amor mas rockera que he escuchado, y no es la música (balada en el que colabora Florencia Di Ritto en violoncello), sino su letra que fluye todo el tiempo hasta estallar…”Logramos esto y hoy pasó, mañana como saber yo, en tiempos tan diabólicos..BRILLAME!
Otros dos grandes temas son “8 sueños” y “Perdido por Perdido”. El primero, producto de retorcidos encuentros con Morfeo en los cuales sale…ganador? y el segundo, de un empuje percusivo y un pulsar rockero, del que es imposible escapar a la tentación de moverse en modo pogo solitario.-
“Diez”, de reminiscencias pinkfloydeanas a cargo del saxo de Guillermo Ronco, es toda crudeza de cómo se manejan y enfrentan las relaciones en estos días…
Es en “No abandones”, donde “El Negro” González saca su oscuridad mas clarificante y su letra mas asfixiada, con el dolor retratado de esa ausencia y el amor que le quedó para entregarle…(“Te echare de menos por demás, seguiré por toda tu hermandad..”)
Y es el tema final, el que nos saca del bosque por el que anduvimos al principio: “Magic Shiva”, con una trampa musical que Uds. sabrán descubrir…
Un excelente álbum debut acompañado de un gran de tapa y un genial diseño (sacado de un cuaderno de la escuela primaria del artista), que juega con imágenes y fotos de ese momento usado como caldero, donde el Negro mezcla todas esas emociones infanto-maduras y muestra como axioma de su porfía, en el que ha recorrido un largo camino para llegar a este momento de su carrera “desembocando en un sueño, comenzando su función, tripulando el cráneo…” (*)
«Aunque este todo al revés no voy a dar el brazo a torcer…»
Los Gastro, desde el comienzo de su Álbum Plateado nos advierten que este disco, de cuidado diseño, no se va a parecer a nada a lo que hayan escuchado de la banda anteriormente. “Amigos zombies”, su primer tema es de precepto punk puro, pero sonando como si llevara a cuestas a Motorhead, con una letra que habla del descreimiento de la pose, rabia y amistad, todo “acunado” por un gran trabajo en las guitarras y el martillo percusivo de la base.-
“La victoria del oso”, otra visión reflexiva sobre las relaciones “a la gastro”, condimentada con la elegante acidez que se escurre por todo este trabajo, es de lo mejor de la placa, con una frase en su letra de lo peor que alguien pueda escuchar sobre sí (“Yo solo digo y te repito, sentimentalmente vos sos un bajón!!…”).- tema que obtiene ganancia en vivo, apoyado por el hijodemilputisimo carisma de Max, su cantante, pura actitud e impronta sobre el escenario.-
No todo está perdido ni todo está tan mal, con “Picnic” nos acercan un poco de luz ante tanto desengaño, melodía que impulsa a salir a pesar de todo, el sentimiento está ahí, a nuestro alcance y esta bueno darnos cuenta.-
“Sobrevivientes” con un comienzo canción- estandarte, proclama y sacudida para no quedarnos de brazos cruzados y la música trayendo reminiscencias a Ramones (como evitar parte del Adn de todo esto!!).-
Otro gran tema es “Grand Prix”, simplemente nos atropella en la furia de sus guitarras, posee un riff, con destino de sello indeleble, reconocible donde se los escuche y el cantante enrostrándote el relato del vampirismo consumista que nos reduce a tener para ser, a olvidarte de vos y a no dejarlos que eso pase.- (“…solo la música desatándonos, revelándolo todo siempre!…”)
“Sobreestimulada” es la radiografía de estas “señoritas” que pululan en la noche, mitómanas químicas (“…te miro fijo y ya no me asombras, tenés los ojos de cristal…”) llenas de proyectos que describe tan bien la canción, característica que se va a repetir a lo largo del disco, buenas historias de impecable relato que se insertan naturalmente al estilo que ejecutan.-
Con “Mejor así”, la banda la rockea, como para completar el arco musical de este gran trabajo, hablando de esos “recuerdos que mienten un poco” y la certeza de haber decidido en forma correcta.- (“…Fueron momentos mágicos, también los hubo trágicos, estos son los que te van a matar…no me arrepiento!…”)
Luego de “El show» y «A un cohete», hay tiempo para distendernos , de eso se encarga el último tema de la placa , “Mucho alcohol” , esta fábula punk etílica, regada de distorsión en loop.- No todo tiene que ser reflexión y rabia y menos si la bebida es la protagonista (y motor de este estilo en muchos casos).-
Con el Álbum Plateado, no «volvió la alegría vieja!», llegó un gran disco dentro de un género que no son frecuentes las gratas sorpresas, y esta es una de ellas…
Los Gastro, banda de la ciudad de Santa Fe, Argentina.-
Rock! tenemosnuestropropiotema 